El rock como manifestación cultural, siempre ha buscado la rebeldía, el no dejarse someter a ningún convencionalismo. Desde los orígenes del rock y el metal, tanto la música, letras, conciertos, estilismos y portadas, han sido una fuente inagotable de rebeldía, un signo de protesta que forma parte de la identidad única e irrepetible de estos estilos.

Comenzamos esta serie de homenajes con portadas, que tanto a mi parecer han escandalizado más y por tanto, han provocado toda clase de censura y prohibición. Imágenes que ya marcaban desde el principio al disco y que para muchos importaba poco ya la clase de música que contenía.
Me he quedado con unas cuantas. Insistir que son las que a mí me han parecido más sugestivas, o simplemente me gustan más, y quiero que formen parte de este artículo; seguro que cada uno de ustedes tiene las suyas.

Empecemos sobre todo aclarar que es con fines educativos, culturales y una ventana al porqué

Slayer – Christ Illusion (2006)

Uno de los grupos que viene siendo parte de los 4 jinetes del trash metal, Slayer mas de alguna portada podría entrar en esta lista me quedo con esta, por sus connotaciones religiosas. En 2006 Slayer lanza su noveno álbum “Christ Illusion”, (2006). Se puede ver claramente la imagen de un cristo, tatuado y amputado rodeado de cadáveres. Varios grupos cristianos se tomaron a mal la portada declarándola, non grata y sacrílega. Los miembros del grupo salieron al paso diciendo que querían la imagen de un cristo sumido en un mar de desesperación. El artista del cover es Larry Carroll, quien ya trabajo con ellos en las portadas de “Reing In Blood” , “South Of Heaven” y “Season in the Abyss”.

Jane’s Adiction “Ritual de lo Habitual” (1990)

Los Señores de Jane’s Adiction lanzaron uno de sus mejores álbumes en 1990, “Ritual de lo Habitual”. no sólo contenía un buenos temas, si no que ya desde su portada todo parecía indicar que estábamos ante un disco especial. Salieron dos portadas diferentes la polémica con dos mujeres abrazadas a un muñecos, todos desnudos y en crucifixión, escultura obra del cantante Perry Farrell, y la otra con el nombre de la banda, del disco y la enmienda de libertad de expresión de la constitución de los Estados Unidos sobre fondo blanco. Esto se hizo de esta manera para poder vender el álbum en centros comerciales norteamericanos, tipo WallMart, donde discos en los que aparecen desnudos o imágenes irrespetuosas religiosas son directamente prohibidos para su venta.

Pantera – Far Beyond Driven (1994)

Obviamente Pantera no podía faltar. Su increíble álbum “Far Beyond Driven” (1994), no sólo encerraba uno de los mejores álbumes de la banda, si no que su portada estuvo envuelta en la polémica. Al principio la portada era, un torniquete entrando por el ano de un hombre blanco, se les fueron encima y les hicieron rectificar. No se les ocurrió otra cosa que poner a una persona de color al que se le trepanaban los sesos con otro torniquete; VAMOS GENIOS!.

NOFX – Heavy Petting Zoo (1996)

Esta banda de punk californiana NOFX, entro de lleno en el mundo de la polémica con la portada del disco “Heavy Petting Zoo” . En su edición en formato LP, el álbum se llamó “Eating Lamb”, y el cover destilaba un componente de zoofilia bastante explícito en su portada. La polémica estaba servida, y consiguieron lo que buscaban, una gran notoriedad para su nuevo disco. Fue grabado en octubre de 1995 y lanzado el 30 de enero de 1996 por Epitaph Records. En este disco, la pista «Liza» continúa con la historia de la canción «Liza and Louise», del disco White Trash, Two Heebs and a Bean que trataba sobre una pareja de lesbiana

Rammstein – Liebe ist für alle da (2009)

Rammstein siempre ha sido un grupo que se alimenta de la polémica. Ya sea por su imagen, por sus atrevidos espectáculos, o por sus presuntas vinculaciones al funesto pasado alemán, que con tan sólo bucear un poco en sus letras, y actitudes queda totalmente desacreditada esa falsa vinculación.
Siguiendo parte de la provocación, su disco de estudio editado en 2009, “Liebe Ist Für Alle Da”, se nos presentaba con una portada de impacto. Este cover es creación del fotógrafo español Eugenio Recuenco, en la fotografía se muestra a los integrantes de la banda alrededor de una mesa listos para devorar a una joven, que representa a Venus diosa del amor en la mitología romana.
El escándalo ya estaba servido, el 5 de noviembre de 2009 este disco fue incluido por el Ministerio Alemán de Protección a la Juventud en el “índice de materiales peligrosos”, tanto por la portada, como por una imagen del álbum con Richard Kruspe con una joven en sus rodillas, que según las autoridades suponía una representación peligrosa para la juventud de prácticas sadomasoquistas.
Debido a esto se prohibió toda difusión del álbum y publicidad del álbum en medios alemanes y prohibida su venta a menores de 18 años.

• ENTRAMOS DE LLENO A TEMAS MAS ESCANDALOSOS Y ESCABROSOS SE RECOMIENDA DISCRECIÓN

Pungent Stench – Been Caught Buttering (1991)

La portada del grupo Death Pungent Stench perteneciente a su segundo álbum, la banda austriaca de death metal Pungent Stench. El cual fue lanzado originalmente en 1991 “Been Caught Buttering”, es obra del fotógrafo Joel-Peter Witkin, que tuvo que esperar dos años de trámites burocráticos para acceder al depósito de cadáveres de México DF. El resto ya lo podes comprobar. La obra la llamó “El Beso”. La portada también se puede ver como una parodia de una imagen famosa con Leonid Brezhnev y Erich Honecker besándose en las celebraciones del trigésimo cumpleaños de la ex República Democrática Alemana en 1979.

Carcass – Wake up and smell the Carcass (1996)

Carcass no dudo en atraer polémica en 1996 lanzaron su disco “Wake Up And Smell The Carcass”, es un álbum compilatorio donde aparecía en la portada, nada más y nada menos que la foto de la autopsia de Kennedy. Ni mencionar que en U.S.A. no fue muy bien recibida.

Sodom  – “Mortal Way of Live” (1988)

Las leyendas del thrash germánico Sodom, es el primer álbum en directo de la banda se lanza en 1988 su disco “Mortal Way Of Live”, con una portada en la que se representaba una orgía con todas las de la ley. De nuevo la censura actuó y fueron obligados a cambiar el cover, por algo tan sencillo como una cubierta negra en el que aparecía el nombre del grupo y del disco.

Scorpions – Virgin Killer (1976)

Lo que veras es la portada oficial del disco. Está será la única portada que no mostraré. Por razones simples, la primera de ella es la ley de mi país, que me impide mostrar imágenes de menores desnudos con posturas de incitación sexual, y la segunda razón para mí y la más importante, es que todos tenemos un límite, y mi límite son los menores.
Por si no lo sabes en la portada censurada de este disco (que podes buscar luego de terminar de leer la nota si deseas), aparece una menor desnuda de rodillas, y sus genitales tapados por la rotura de un cristal. La portada fue rápidamente censurada y prohibida, considerada pornografía infantil en países como USA, Canadá, Brasil y Argentina. En el resto de Europa ha tenido la misma consideración en casi la totalidad de los países. En 2008 volvió la polémica al intentar prohibirse la imagen de la niña en Wikipedia, finalmente se mantuvo con una serie de restricciones para sus usuarios.
Creo que los Scorpions saben que no estuvo bien con esta portada, utilizar a menores con poses sexuales no es justificable de ninguna manera, ni tan siquiera en el tan liberal mundo del Rock/Metal.

Burzum – Aske (1995)

“Aske” (en español cenizas) es un EP y segundo lanzamiento de la banda noruega de black metal Burzum. Fue grabado en septiembre de 1992, y publicado en marzo de 1993. Toda una declaración de intenciones, en ella aparece la imagen de una iglesia en ruinas, tras haberse quemado en un incendio. En concreto es “Fantofkirke”, iglesia destruida por las llamas después de su incendio provocado el 6 de junio de 1992. Varg Vikernes (Count Grishnackh) fue sospechoso de la quema de la iglesia, asimismo también fue el que realizó la foto. Tras el juicio pertinente fue condenado por la quema de la misma en 1992. No sería la única tras ella llegaría una lista de más de 22 iglesias incendiadas en un periodo de cuatro años.

Cannibal Corpse – Tomb of the Mutilated (1992)

«La tumba del mutilado». Y es que Cannibal Corpse no podía faltar a esta fiesta de lo macabro. La verdad es que casi todas sus portadas podrían estar aquí, pero me voy a quedar con esta por la repercusión mediática que tuvo y la prohibición de la misma. Esta portada estuvo prohibida en Alemania por la crudeza de sus imágenes, un zombi realizando un cunnilingus a otra zombi. Hay otra versión también censurada en la que un zombi negro observa una escena sexual, vamos portada brutal donde las haya.

Marduk – Fuck me Jesus (1991)

Marcando la lista de las polémicas. La reedición del primer demo de los Marduk en 1991 se llamó “Fuck Me Jesus”. Bueno pues no pudieron ser más explícitos, una chica sodomizandose con un crucifijo. Ni que decir tiene que se prohibió en infinidad de países , y que los grupos religiosos comenzaron una cruzada contra el grupo.

Cripple  Bastards “All Most Human” (2000)

Se vuelan la barrera es que donde las hayan, bien por parte de los italianos Cripple Bastards. No solo por la brutalidad de su Grindcore, si no por la portada de este “All Most Human”. En ella se puede ver a un veterano de la guerra del Vietnam que apunta a la cabeza a una chica mientras le practica una felación. El material de la portada fue extraído de una película de serie B llamada “Forced Entry”, un engendro porno soft del año 1972. La banda utilizó esta imagen para ilustrar el título del disco, “casi humano”, enseñar la degradación del ser humano, su insensibilidad, etc… en ningún caso una apología a la violencia de género o el sexismo. Como no podía ser de otra manera, fue censurada. Sorprendido?

Mayhem – Dawn of the Black Hearts (1991)

La portada. Creo sinceramente que no puede haber muchas dudas sobre cual es la portada más brutal, macabra, y censurada de la historia. En 1991 Mayhem lanzaron una especie de bootleg «Edición Pirata» con grabaciones de un concierto de la banda en la localidad noruega de Sarpsborg. La portada como se puede ver es la de un tipo que se acaba de volar la tapa de los sesos, fotografía totalmente real. Se trata de Dead, cantante del grupo, foto realizada por Euronymous, líder de la formación, al encontrárselo muerto en su casa. ¿Se puede ser más macabro? Nadie en la historia ha sido capaz salvo la mente de Euroymus de sacar la cabeza reventada de su propio vocalista.
No me voy a meter con los sucesos que acontecieron en esta época en Noruega, con el nacimiento del Black Metal. Sólo comentar la leyenda negra que hay detrás de la portada, al parecer el propio Euronymus se llevó trozos de cerebro y huesos del cráneo del propio Dead, para repartirlo ente sus amigos más próximos, (vaya amigo) y hacerse un collar con los huesos e incluso consumir partes de ese cerebro. Fuera lo que fuese, sin duda esta es para mí, la portada más brutal de la historia. Censurada de manera radical por las autoridades noruegas, y que propició que se convirtiera en una leyenda.

Regurgitate – Carnivorous Erection (2000)

La banda sueca de Goregrind, Regurgitate, lanzaron en el año 2000 este “Carnivorous Erection”. Bueno no hace falta ser muy inteligente para saber que fue censurada nada más salir al mercado. Además de ser considerada por múltiples revistas especializadas como una de las portadas más desagrables y frikis de la historia. Sin comentarios que añadir 🙂

Guns N Roses – Appetite for Destruction (1987)

Una de las portadas más famosas de la historia, no sólo por el disco que contenía, si no por el revuelo que trajo su portada original. En ella salía un robot , que acababa de cometer un violación sobre una chica en el suelo. El arte gráfico fue realizado por el artista Robert Williams, y la cadena MTV exigió que se apartara esa caratula por considerarla ofensiva. Su represalia era clara no emitiría ningún video del álbum. Los Guns se vieron obligados a cambiar esta portada por la ya famosa cruz y las calaveras de cada uno de los componentes, y dejar en el libreto interior el cover censurado.

W.A.S.P.- Animal (Fuck Like A Beast) (1984)

Banda perseguida y prohibida hasta la extenuación, por el sector más reaccionario de norteamerica. Nos estamos refiriendo a Black Lawless y sus W.A.S.P. Comenzaron fuerte con la portada de su primer EP lanzado en 1984. En este año firman contrato con Capitol, se lanza el sencillo ANIMAL (F**k Like A Beast), y las protestas de la moral americana no se hicieron esperar. Capitol Records no se lo pensó dos veces y retiró el disco de las ventas. Pero curiosamente al cabo de unas semanas saldría distribuido bajo los sellos independientes Restless y Music For Nations.

Brujería – Matando Güeros (1993)

Matando Güeros de los Brujería desde sus inicios siempre fue una banda polémica, puesto que nacieron en un contexto donde el metal en español no era muy bien visto en la escena underground de Los Ángeles. Sin embargo, Brujería fue una especie de respuesta-protesta contra esta situación. Su portada extraída del periódico ALarma, incluyeron las fotos originales de portada y libreto a este hombre decapitado por un tren castigo común por las mafias. La portada claro está fue censurada y reemplazada por un fondo negro que ponía: “censurado fotos muy explícitas”. Se tapó por la censura con una tapa negra. Los Brujería ya habían conseguido lo que querían, llamar la atención.

Type O Negative – The Origin of The Feces (1992)

Ni hablar de Type O’ Negative, con su gran líder, el ya desaparecido Peter Steele, lanzaron en el año 1992,  su disco “The Origin Of The Feces”. En él se nos mostraba en la portada, nada más y nada menos que el esfínter del vocalista del grupo. Ni que decir tiene que tuvieron que cambiar la portada, por otra más light, unos esqueletos bailando sobre un fondo verde y negro.

Jimi Hendrix – Electric Ladyland (1968)

En 1968 lanzó su mítico “Electric Ladyland”, único álbum del guitarrista en llegar al primer puesto en ventas. La edición británica contó con un cover diferente y polémico, en el se pueden ver un buen número de mujeres posando desnudas. Se retiró esta portada y la que existe actualmente es la que se distribuyó mundialmente. La familia del propio Hendrix, que es la dueña de los derechos del álbum y de la mayoría de su catálogo, descartó utilizar la cubierta británica, y comentó que ni al propio artista le gustaba.

Bueno hasta aquí este viaje por las portadas más controvertidas y de su porqué, unas mas o menos acertadas, lo importante es que te quedaste al final y decidiste leerme. Gracias!

Pearl Jam eligió a “Alive” como el primer sencillo de su disco debut, ‘Ten’

Con esta alucinante carta de presentación, la banda se convirtió en emblema del movimiento grunge, gracias a que sus rolas eran una mezcla entre sonidos distorsionados y brutales con historias profundas con las cuales se podía identificar los jóvenes de su generación. Y aunque no fue un éxito en ventas, el disco poco a poco fue ganando un estatus de culto entre los rockeros de los 90.

«El tema, concebido como una trilogía ( llamada extraoficialmente por Vedder «Momma-Son Trilogy», trilogía de la madre sirvienta, junto a Once y Footsteps) narra la situación de un hijo y su madre con un pasado tormentoso que se convierte en asesino serial, tiene una relacion incestuosa y termina en la carcel pero de estas tres canciones en «ALIVE» es donde Eddie Vedder introduce su parte biografica. Empieza a contar que quien él cree que es su padre no es su verdadero padre, sino alguien que murió sin llegar a conocer y su sustituto fue con quien su madre llenó su vida… Pero al crecer y parecerse tanto a su desconocido progenitor despierta renacidos e inusitados deseos sexuales y carnales en su madre que le llevan a abusar de él con consecuencias que se desarrollarán en Once ( cuando se convierte en un asesino en serie) y Footsteps ( cuando ya en el Corredor de la Muerte recuerda todo lo que le llevó hasta allí).
Ese mantra I’m Still Alive que erróneamente nos hacía sentirnos más vivos que nunca realmente significaba el recuerdo de un padre, la reencarnación en alguien sin identidad al que hace sufrir el mero hecho de recordar a alguien que nunca conoció. Esa tortura interior, ese drama, Vedder lo transformó en energía, en pura adrenalina con la ayuda del ex Green River Stone Gossard ( que ya tenía compuesta la música del tema para su anterior banda, aunque con otro título, Dollar Short.)

Primera visión u opinión sobre «Senjutsu» después de varias escuchas completas del disco. La valoración, eso sí, es subjetiva.

Lo mío es la pluma, y escuchar rock y heavy metal para después escribir de ello como una seguidora que junta letras de manera más o menos coherente y ordenada.

El sexteto británico regresa con un nuevo trabajo –el decimoséptimo de su carrera– y en el que se puede percibir que han trabajado para crear el disco que ellos querían y no el que sus seguidores estaban pidiendo. No deja ser una tremenda falta de realismo reclamar a los Iron Maiden del siglo XXI un disco de cuarenta minutos compuesto y ejecutado con el mismo nervio de un joven de veintitantos años.

El vocalista de Iron Maiden, Bruce Dickinson, explicó en una entrevista con la revista Kerrang cómo el nuevo álbum de la banda se llamaba “Senjutsu”, que es una palabra japonesa que significa más o menos “estrategia y táctica” o “el arte de la guerra”. -“A Steve se le ocurrió la primera pista y dijo que se llamaba Senjutsu. Entonces dijo que era japonés para “el arte de la guerra”. Y dije, ‘¿Estás seguro?’ Así que lo busqué en la Biblia de Google, y parece que tiene algunos significados diferentes, pero iremos con ‘el arte de la guerra’

“Senjutsu” trata de no desviarse demasiado de las coordenadas que han trazado desde el retorno de Dickinson y Adrian Smith. Eso no implica que no sea un disco exento de ciertos riesgos, porque los hay: la misma obertura del álbum (“Sensutju”) saca de su zona de confort a Nicko McBrain abre su decimoséptimo álbum y qué épica, señores y señoras, qué épica. La dupla compositiva Smith/Harris trabajando a pleno rendimiento, y cuando sueltan esos estribillos, alucinas. y da como resultado uno de los arranques más contundentes. Writing On The Wall”,  es hard rockera, sí, pero sobre todo me quedo con los solos y las cuerdas vocales de Dickinson. Si alguien albergaba alguna duda sobre su posible rendimiento en este disco, sobre todo tras escuchar algunas canciones del directo en México editado el pasado año, en Senjutsu desde luego nadie diría que éste haya pasado por un cáncer de lengua. Con sus dejes acústicos y ese ritmo medio arrastrado, el que parecen estar de vuelta de todo.

También se podría considerar una decisión arriesgada haber cedido el tramo final del álbum a Steve Harris mediante tres canciones (“Death Of The Celts”, “The Parchment” y “Hell On Earth”) cuya duración total supera los treinta y cinco minutos, una idea que podría haber derivado en una obra descompensada y que, a la vista de los resultados, ha terminado por ser un gran acierto..

• 

“Senjutsu” adolece de la inmediatez que tenía “The Book Of Souls” (15), álbum en el que había unas cuantas canciones comparativamente más cortas: en este sentido, su nuevo disco se muestra mucho más exigente al contener siete canciones (de un total de diez) que superan la barrera de los siete minutos.

A pesar de todo, “Senjutsu” se sostiene por sí solo: demuestra mucha más variedad –y ambición– que “The Book Of Souls”, basculando perfectamente entre la pulsión oscura de “The X Factor”, la épica de “Powerslave” (84) y la frescura de “Brave New World” (00) gracias a varios temas que no hacen más que crecer con las escuchas. El cierre, melódico, galopante y extremadamente pegadizo de “Hell On Earth” se antoja como una de las mejores piezas probablemente que Harris haya escrito en décadas: un cierre delicioso que, junto a un impulso oriental de “The Parchment”, certifica que el esfuerzo del bajista por concentrar su material en solitario en el tramo final del disco ha funcionado. De la misma forma, el tándem compositivo Smith/Dickinson se muestra tan solvente como siempre gracias a la concisa “Days Of Future Past” y, sobre todo, “Darkest Hour”, emocionante medio tiempo cargado de sobriedad que puede recordar en algún tramo a “Wasting Love” de “Fear Of The Dark” (92). No olvidemos tampoco el tremendo gancho melódico de “Stratego” –imposible quitarse ese estribillo de la cabeza–, un single que, reforzando la consistencia de la primera mitad del álbum, consigue redimirse de sus pecados.

Si un día escuchando The Number Of The Beast se me aparece el Diablo y me ofreciera vender el alma a cambio de afrontar la senilidad con la mitad de buena forma y claridad de ideas que presentan Iron Maiden en 2021, firmaría sin pestañear. QUE TODO FLUYA Y NADA INFLUYA EXCEPTO EL BUEN ROCK!

No hay duda alguna que los albums de Pink Floyd son verdaderas obras de arte, joyas que no se refieren solo a lo musical sino a todo un concepto. Todas las carátulas de Pink Floyd encierran un significado o tienen la intención de mostrar una idea. A continuación expongo el análisis de cada una de las carátulas de Pink Floyd en orden cronológico.

Estas Listo?

The Piper at the Gates of Dawn (1967)

Se podría decir que se buscó en su momento ilustrar la musica psicodelica del disco, de ahi a que el fotografo Vic Singh usara un prisma para capturar las imagenes de los integrantes, con el fin de que se vieran distorsionados y asi lograr ese efecto tan especial de su primera portada. Cabe destacar que esta es una de las pocas carátulas en donde sus integrantes salen en la portada. El flautista a las puertas del alba— es el álbum de estudio debut de la banda británica Pink Floyd, lanzado el 5 de agosto de 1967. Este disco fue uno de los primeros en explorar el rock psicodélico, junto con Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles y The Velvet Underground & Nico de The Velvet Underground, que fue grabado casi simultáneamente. Se le considera uno de los LPs más influyentes de la historia.

A saucerful of secrets (1968)

La portada consiste en la superposición de 13 imágenes, incluida una de la banda. Hipgnosis quiso reflejar aquí tres estados alterados de consciencia: La experiencia religiosa, las drogas y la música de banda.   “Marvel Comics, la astrología, la alquimía, patrones arremolinados, el espacio exterior y fotografía infrarroja extraña, fueron lanzadas juntas como una diapositiva de burbujas inmiscibles de aceite y de agua en una temprana falúa de Floyd, sobrepuestas una sobre otra, paseando en una manera de ensueño (Storm Thorgerson). Este es un álbum de transición, marcado por el desequilibrio mental y posterior partida de Syd Barrett y la llegada del nuevo integrante David Gilmour. Es el único disco de Pink Floyd en el que participan los cinco integrantes.

      More (1969)  

 La carátula es una imagen solarizada de una escena de la película, diseñada por Hipgnosis. Posiblemente aquí se quiso mostrar alguna visión de lo que es la película, que gira en torno a las drogas. Music from the film More («Música de la película «More») es el tercer álbum del conjunto británico Pink Floyd, y también el primer álbum de Pink Floyd sin contar con la participación de Syd Barrett, ya que este fue expulsado de la banda luego del lanzamiento del álbum anterior A Saucerful of Secrets; también es la música compuesta y grabada en 1969 para la película More, dirigida por Barbet Schroeder. Con el paso de los años y después de varias reediciones, el álbum ha pasado a llamarse simplemente «More«.

    Ummagumma (1969)     

El album esta compuesto por dos discos, el primero una grabación en estudio, y el segundo canciones de anteriores álbumes en vivo. En el primer disco a cada integrante se le dio la cuarta parte del espacio total de grabación para que compusiera y produjera su propia música y letras. En la carátula se quiere mostrar eso. La imagen es un montaje de fotografías (todas diferentes) que generan un efecto de niveles: una imagen dentro de una imagen, una habitación dentro de una habitación, pero siendo un lugar real. Era el contrapunto a una música con muchas capas sonoras y diferentes texturas. “Todas las partes componen un mismo cuadro… El ludo de 4 colores, el espacio con sus 4 elementos… Todo sumado como conjuntos distintos.

  Atom heart mother (1970)

En la tapa del disco se puede ver a una vaca en un campo. No contiene texto. La banda quería que la tapa de este disco fuera lo menos ” Pink Floyd” y psicodélica posible. Hablaron con Storm Thorgerson, diseñador de la misma, y él se dirigió a un área rural y fotografió lo primero que vió. Lulubelle III es el nombre de la vaca. Siguiendo la línea experimental de la música del álbum, la intención fue encontrar una imagen tan tremendamente normal que resultará sorprendente en la portada de un disco. Se consiguió… y por otro lado, pudo ser la sesión fotográfica más barata jamás realizada. Una nota histórica: fue el primero de los discos de Pink Floyd que no llevaba ni titulo del disco, ni nombre del grupo. El álbum fue grabado entre marzo y agosto de 1970 en los Estudios Abbey Road. Fue producido por Pink Floyd. El ingeniero de sonido fue Peter Bown asistido por Alan Parsons. Fue editado en LP el 2 de octubre de 1970. Alcanzó el número uno en las listas de Reino Unido y el n.º 55 en Estados Unidos. Fue certificado disco de oro en Estados Unidos en marzo de 1994. El nombre fue una decisión apresurada de los integrantes a partir de un artículo de prensa donde se anunciaba que una mujer con un marcapasos atómico implantado había logrado dar a luz.

 Meddle (1971)

Producto de la superposición de dos fotografías, la de una oreja y unas ondas en el agua, es la famosa portada incomprendida, que acompañaba a un titulo dificil de explicar y aún mas de entender. Es una de las primeras apariciones de motivos acuáticos en la obra de Pink Floyd. Como dato curioso, Storm Thogerson al principio sugirió un tiro de primer plano del ano de un babuino para la fotografía de cubierta de álbum. La banda le dijo a través de una llamada telefónica intercontinental desde Japón que ellos preferirían tener “Un oído debajo del agua”. Se grabó en varios estudios de grabación de la zona de Londres, incluyendo los Abbey Road Studios. Sin material nuevo con el cual trabajar y sin tener una idea clara de la dirección que querían que tomase el álbum, la banda desarrolló una serie de novedosos experimentos que finalmente sirvieron de inspiración para la pista más conocida del álbum, «Echoes».

   Obscured By Clouds (1972)

Hay fuentes que dicen que la portada muestra a una mujer desnuda, refractándose a través de un prisma, hay otras en donde afirman que es una imagen desenfocada de un hombre en un árbol, que parece tratar de extender la mano para algo, quizás un objetivo. De cualquier manera los demás elementos, como los puntos luminosos velados podrían ser una referencia a los juegos de luces que Pink Floyd usaba en sus comienzos. Obscured by Clouds —en español: Oscurecido por nubes— es el séptimo álbum de estudio de la banda británica Pink Floyd. Este disco fue concebido como Banda sonora para la película francesa El valle.

   The dark side of the moon (1973)

La tapa del disco puede representar, por un lado a la realidad, la línea de luz blanca, pura y concentrada y por el otro la representación de la misma, en colores y dispersa. La realidad misma supera el nivel de tolerancia humana, y por eso sólo es posible conocerla en parte, la luz (realidad) es descompuesta en todos los colores del espectro para poder tratar con ella. El prisma piramidal del centro se refiere a la locura y es el precio que hay que pagar para conocer la verdad. De un lado la vida y de otro la muerte. Esta es sólo una de las múltiples interpretaciones posibles. Está reforzada por las conexiones que tiene con las canciones y expresa el constante enfrentamiento entre impulsos opuestos, luz y oscuridad, nosotros y ellos, nosotros y el tiempo, el éxito y el fracaso, la vida y la muerte, lo sano y lo insano; que se dan a lo largo del disco.

 Wish you were here (1975)

 “El tema puede ser expresado en una sola palabra: Ausencia. Eso fue ausencia relativa a relaciones personales, ausencia relativa a miembros anteriores de la banda. Además, la ausencia como generadora de un proyecto. Este fue el sentimiento que percibí en el aire”. Thorgerson pensó que en la tapa del disco debería usarse una imagen que retratara cómo las personas tendemos a ocultar nuestros sentimientos por miedo a «quemarnos» y preferimos respetar las convenciones sociales. Además, el término «quemarse» ya era usado en la industria musical por muchos artistas para referirse al hecho de que les solían negar el pago de algunas regalías.

Animals (1977)

 La carátula es una idea de Roger Waters, y es una de las mejores que se hayan hecho, considerada como una de las 100 mejores portadas de la industria discográfica. Tuvo la idea de poner un cerdo sobre la estación eléctrica de Battersea simbolizando la codicia. El cerdo volando sobre la estación eléctrica es un mensaje de superioridad frente a la clase trabajadora. Se muestra la estación eléctrica de Battersea como un símbolo de obsesión de la humanidad por el trabajo constante y las metas banales, rodeada por vías de trenes industriales, basura y carbón. El disco está basado en un libro de George Orwell Animal’s Farm, que evoca el sentido del poder y habla sobre tres animales que representan muchos vicios y actitudes de la humanidad: los perros que son depredadores viajando en grupo, cada uno tratando de pasar al otro para alcanzar el éxito, los cerdos que son los gordos dictadores que sienten un gran miedo por aquello que no entienden pero alegan conocer lo que es mejor para todos. Ellos imponen esto a las ovejas que son las pasivas y obedientes masas de subsiervos del mundo. En primera instancia es una carátula fea y hasta desagradable, su imagen chocante se graba casi de inmediato en la mente del que la observa.

   The Wall (1979)

 Esta carátula simplemente muestra un muro de ladrillos en blanco. Hay algunas carátulas donde además del muro hay criaturas horrendas que se salen del muro, posiblemente simbolizan todos aquellos miedos, prejuicios, etc. que el muro no deja ver. Es una carátula sobria, hasta simple. Pienso que este muro sin nada representa la barrera que crea el hombre para protegerse de todos los males del exterior, mostrando a los demás una “rostro” limpio, pero que en el interior es un desastre en aumento, pues con el muro una vez construido todos estos miedos, traumas, etc, al no poder salir reducen estragos y desequilibrios que solo pueden ser solucionados derribando tal muro. Todo esto está plasmado en las letras y en la música del álbum, con un ambiente depresivo, morboso y hasta esquizofrénico.

   The Final Cut (1983)

 La portada es un profundo close-up del uniforme y medallas del uniforme de un oficial de la Segunda Guerra Mundial.
Las medallas son:
* DFC (Distinguished Flying Cross. Por actos de gran coraje o devoción al trabajo mientras se vuela).
* DM (Defence Medal. Por un servicio de 3 años en la guerra).
* Africa Star (por participar en la campaña Norteafricana).
* 1939-45 Star (una medalla pálida que denota servicio en la guerra).
La carátula fue diseñada por Roger Waters, en un homenaje a su padre, quien murió en esa guerra.

A Momentary Lapse of Reason (1987)

 La idea para la carátula vino de un verso de una canción del mismo álbum. La frase …Visions of an empty bed (visiones de una cama vacía), del tema “Yet Another Movie”, fue la inspiración para que Thorgerson y su equipo decidieran colocar 800 camas alineadas en forma de río sobre la playa de Saunton Sands, en Inglaterra, de tal manera que se perdieran en el horizonte. Se pueden ver, en una playa, perros, una enfermera y una persona sentada en una de las camas. También puede simbolizar una vuelta a sus raíces, a un sonido anterior al de The Wall y Animals. Es una portada que inspira tranquilidad (personalmente hablando), que podría interpretarse, como el nombre del disco nos dice, un momento de calma para la banda, después de la tormentosa y triste salida de Roger Waters del grupo. Storm utilizó distintos tipos de camas; Camas de hospital, camas para pacientes, camas para los locos, camas para soñadores. “Camas para soñar en ellas, o camas para recuperarse en ellas”. “Camas reales en un lugar real, vistas como algo irreal” comenta Storm Thorgerson.

 Delicate sound of thunder (1988) 

1988: El que busca una referencia para esta imagen la puede encontrar en el famoso traje de Dalí de copas de vino. El disco es música de Pink Floyd en vivo, y la portada muestra el encuentro de luz y sonido (de bombillas y pájaros) de los espectáculos de la banda. ¿Cual es una de las cualidades más impresionantes de Pink Floyd en vivo? La respuesta de Thorgerson es “La experiencia audiovisual. Un sonido de calidad, sumado a un gran espectáculo de luces y proyecciones de videos alusivos a la banda. Es un encuentro entre el Señor Luz y el Señor Sonido”.

  The Division bell (1994)

 El tema central del disco es la comunicación (o la falta de comunicación) entre personas, acompañado de otros temas: el aislamiento, la ambigüedad, el enfrentamiento y la autodefensa, todos estos ejemplos de la comunicación malinterpretada y mal hecha. De ahí salió la idea de dos caras enfrentadas, que igualmente se podrían ver como una cara mirando de frente, como en las pruebas psicotécnicas. La carátula está basada (Supongo yo) en la portada del libro de Norbert Wiener “The Human Use of Human Beings”, pues la banda se inspiró en este libro para crear el concepto del álbum.
Tanto las cabezas de metal como las de piedra son esculturas genuinas, de talla grande (unos 4 metros de altura) y realzan el concepto del disco, la comunicación y su vertiente del enfrentamiento.

  Pulse (1995)

 En palabras de Thorgerson “Pienso que vino de dos particulares razones, una de ellas fue que era un álbum en vivo. Busqué que el empaque esté vivo, entonces hicimos una lista de cosas que incluía bolas y laberintos. Teníamos algo para que hiciera ruido cuando se abra, algo que rechine, que se huela, otros que se pueda ver en la oscuridad”.Hay dos formas de verlo: puede ser visto como un disco que te ‘hablará’ durante mucho tiempo, o simplemente es el tipo de disco que nunca tendrás problema para encontrar en la oscuridad. Se barajaron cinco rutas diferentes para la portada de “Pulse” y al final se eligió la imagen del ojo. Se combinaron elementos psicodélicos con tecnología moderna a través de 36 fotografías diferentes, que recordaban muchas de las imágenes habituales del directo de Pink Floyd. El ojo como círculo representa un ciclo, el ciclo de la vida podría ser.

Que te parecieron?

Burning Witches publica videoclip de su nuevo single, ‘We Stand As One’

• 

La banda suiza de heavy metal Burning Witches acaba de estrenar el videoclip del tema We Stand As One. Pertenece a su nuevo álbum del estudio, The Witch Of The North, que salió a la venta el pasado viernes.

Burning Witches celebró el lanzamiento de su cuarto álbum con un concierto en streaming retransmitido de forma gratuita para todo el mundo. Previamente también habían publicado el videoclip del tema que da título al disco, The Witch Of The North.

BURNING WITCHES

THE WITCH OF THE NORTH

1. Winter’s Wrath
   02. The Witch Of The North
   03. Tainted Ritual
   04. We Stand As One
   05. Flight Of The Valkyries
   06. The Circle Of Five
   07. Lady Of The Woods
   08. Thrall
   09. Omen
   10. Nine Worlds
   11. For Eternity
   12. Dragon’s Dream
   13. Eternal Frost
   14. Hall Of The Mountain King (Bonus)

El baterista de Metallica, Lars Ulrich, eligió en una entrevista con la revista Classic Rock a su cantante, guitarrista y compositor favorito. El músico también recordó la primera canción que recuerda haber escuchado y la primera que tocó en vivo.

Cantante favorito

“Bon Scott fue el cantante más genial de todos los tiempos: la entrega vocal, el doble sentido irónico y la personalidad magnética. Esos primeros discos de AC / DC (Dirty Deeds Done Dirt Cheap, Let There Be Rock, Powerage, Highway To Hell) son simplemente atemporales “.

Su héroe de la guitarra

“Ritchie Blackmore. El primer concierto al que fui fue a Deep Purple. Tenía nueve años y todavía puedo cerrar los ojos y verlo tomar la Stratocaster en blanco y negro y tocarla con el pie o aplastarla contra los altavoces del PA. Eso me dejó una impresión. Creo que fue el mejor guitarrista de esa generación y para mí, el epítome del héroe de la guitarra “.

Compositor favorito

“Noel Gallagher. Lo más difícil del mundo, créame, lo sabemos de primera mano, es escribir una canción sencilla. Y cuanto más corto y simple, más difícil es. Esas grandes canciones de Oasis, Wonderwall, Live Forever, Supersonic, si escuchas a Noel hacerlas solo, solo con la guitarra y la voz, es bastante increíble cómo se descomponen esas canciones cuando estás tan desnudo y tan vulnerable “.

La primera canción que recuerda haber escuchado

“Cuando era niño, mi padre tocaba mucha música jazz (Coltrane, Miles, Dexter Gordon, Ornette Coleman) y algo de rock: Jimi Hendrix, los Rolling Stones, The Doors. La música que se escuchaba en la radio danesa era básicamente la que salía de Inglaterra en ese momento, así que a principios de los setenta muchas cosas glamorosas “.

La primera canción que interpreté en vivo

“Era una canción llamada Hit The Lights, con una banda llamada Metallica, en 1982 en Radio City en Anaheim, California. Esta es la única banda en la que he estado y la primera canción que James Hetfield y yo escribimos juntos fue Hit The Lights “.

Los hermanos Angus, Malcolm y George Young, nacidos en Glasgow, Escocia, se mudaron a Sídney, Australia a mediados de 1963, con la mayor parte de su familia y su mejor amigo en quien se basaron en la mayor parte de sus canciones. George fue el primero en aprender a tocar la guitarra. Comenzó en el grupo The Easybeats, exitosa banda australiana en la década de 1960. En 1969, se convirtieron en la primera banda de rock local en tener éxito internacional con la canción “Friday On My Mind”. Malcolm entonces, decidió seguir los pasos de George, tocando en la banda galesa The Velvet Underground (no se debe confundir con la banda neoyorquina Velvet Underground).

Primeros años

En noviembre de 1973, Malcolm y Angus Young formaron AC/DC y reclutaron al bajista Larry Van Kriedt, al cantante Dave Evans y al batería Colin Burgess ex-Master’s Apprentices. El grupo tocó su primer concierto en un club llamado “Chequers”, en Sídney en el Año Nuevo de 1973. Más tarde firmaron para Albert Productions de EMI de Australia y Nueva Zelanda. Al principio, la formación del grupo cambió a menudo: Colin Burgess fue el primer miembro despedido y varios bajistas y bateristas pasaron por la banda durante el siguiente año. (Ver lista de miembros de AC/DC).

Para entonces, Angus Young había adoptado su característico uniforme escolar; siguiendo una idea de su hermana Margaret. El uniforme original era, según dicen, de su escuela secundaria, “Ashfield Boys High School”, de Sídney. Angus había probado con otros trajes, como Spiderman, El Zorro, un gorila y una parodia de Superman, llamada Super-Ang.De hecho, en sus primeros días, la mayoría de los miembros de la banda se vestían de forma glam, pero abandonaron ese estilo, cuando descubrieron que otro grupo (Skyhooks) hacía lo mismo en sus presentaciones.

La era Bon Scott (1974–1980)

En septiembre de 1974, Bon Scott reemplazó a Dave Evans. Hasta entonces, el grupo solo había grabado un single con Evans “Can I Sit Next to You” / “Rockin’ in the Parlour”. “Can I Sit Next to You” luego se re-grabó con Bon Scott en la voz, bajo el título “Can I Sit Next to You Girl”.

En enero de 1975, grabaron su primer álbum (aunque sólo para Australia), llamado High Voltage. Tomó diez días,  y está basado en canciones instrumentales escritas por los hermanos Young, con letras escritas por Scott. Al cabo de unos pocos meses, la formación se estabilizó: Scott, los hermanos Young, el bajista Mark Evans y el baterista Phil Rudd. Más tarde, ese mismo año, editaron el single “It’s a Long Way to the Top (If You Wanna Rock ‘n’ Roll)”, que se convirtió en su himno. Este tema, se incluye en su segundo álbum T.N.T., que se publicó sólo en Australia y Nueva Zelanda. En el álbum aparece otra clásica canción, “High Voltage”

Éxito internacional (1976–1978)

En 1976, firmaron un contrato internacional con “Atlantic Records” y comenzaron una gira europea, con la que ganaron una valiosa experiencia, tocando junto a grandes del hard rock, como Kiss, Aerosmith, Styx, Blue Öyster Cult y Cheap Trick.

El grupo realizó otros dos discos en Australia: High voltage (1975) y Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976). El material de ambos sirvió para elaborar el High Voltage para Estados Unidos. En otoño de 1977, publicaron Let There Be Rock. Al año siguiente, se incorporó Cliff Williams, en el disco Powerage. Todos esos álbumes fueron producidos por Vanda y George Young. El ambiente de sus conciertos se refleja en If you want blood, you’ve got it. AC/DC se fue de gira con artistas como Alice Cooper, Rush, Aerosmith, Ted Nugent, Boston, Black Sabbath, Cheap Trick, Heart, Scorpions, Molly Hatchet, Ronnie Montrose, Nazareth, UFO, Journey, Foreigner, Van Halen, Styx, Blue Öyster Cult, Alvin Lee, Rainbow, Savoy Brown, REO Speedwagon, The Doobie Brothers, Thin Lizzy y The Who.

Éxito en Estados Unidos (1977–1979)

Lo que realmente les abrió las puertas al éxito, fue Highway to Hell (1979), producido por Mutt Lange, para muchos su mejor álbum y que alcanzó el puesto número 17 en las listas estadounidenses y el número 8º, en las británicas; fue el primero de sus trabajos en conseguir un millón de copias vendidas y figura en la lista de los 500 álbumes indispensables, elaborada por la revista Rolling Stone. El tema principal del LP, la canción Highway to hell, acabaría convirtiéndose para muchos en todo un himno del rock and roll, de finales de los 70’s.

Muerte de Bon Scott (1980)

Cuando todo parecía ir muy bien (tenían éxito de ventas en Europa y los Estados Unidos), la desgracia les cayó una noche en la que estaban parando en Londres. Ese 19 de febrero de 1980 perdieron a su vocalista. La causa de su fallecimiento fue una intoxicación etílica. Scott bebió de más en un club nocturno de Londres llamado “MusicMachine” (mejor conocido como “Camden Palace”, y luego renombrado como “The KOKO”). Su íntimo amigo Alistair Kinnear lo llevó a descansar en su automóvil, estacionado frente al número 67 de Overhill Road en East Dulwich, en la zona sur de la ciudad. A la mañana siguiente, Kinnear llevó a Scott al hospital King’s College en Camberwell, donde fue declarado muerto por intoxicación etílica. La tradición oral dice que se ahogó con su propio vomito, lo que fue desmentido por el mismo Kinear años después en una revista de rock la cual figura su nombreLA en la biografía de AC/DC escrita por Susan Massino.

La familia de Scott despidió sus restos en el cementerio de Fremantle, (Perth), el lugar a donde habían emigrado durante la infancia de Bon.

La era de Brian Johnson.

Tras la muerte de Bon Scott, la banda se planteó continuar, y finalmente reclutaron al inglés Brian Johnson, el cual provenía del popular grupo británico Geordie y de quien se dice, era el vocalista preferido de Scott. Johnson se encontraba sin grupo y estaba considerando si iba a continuar en el mundo de la música. Sin embargo, aceptó el reto y entró con el resto del grupo a grabar lo que sería uno de los grandes discos de los años 1980: Back in Black, dedicado a Bon Scott; bajo la producción de Robert Lange. Las cifras alcanzadas por ese álbum son muy notables: en Estados Unidos, encabezó la lista de ventas durante cinco semanas y se mantuvo durante otras veinte en el Top 10 (estuvo en total durante 131 semanas en el Top 40). Transcurrido un año, había rebasado los 5 millones de ventas en aquel país y, hasta la fecha, la RIAA certifica 22 álbumes de platino para Back in Black, lo que viene a ser más de 22 millones de copias vendidas en los EE. UU. Se estima que vendieron más de 40 millones de copias de ese LP, figurando en la lista de los más vendidos de la historia, después de Thriller de Michael Jackson, lanzado un par de años más adelante.

El éxito de Back in Black disparó las ventas de todos sus álbumes anteriores, desatando una “fiebre” por AC/DC. Aprovechando el impulso, el disco Dirty Deeds Done Dirt Cheap fue reeditado en marzo de 1981 en los EE. UU. (donde no había sido publicado en su primer lanzamiento, en 1976). Permaneció 55 semanas en la lista de los 40 más vendidos y obtuvo en el 2001 su sexto disco de platino. Asimismo, todos los anteriores discos del grupo superaron el millón de copias en julio del mismo año. En noviembre de 1981, se publicó For Those About To Rock: We Salute You, que sacaría a relucir el éxito con el mismo nombre. Al igual que los dos álbumes anteriores, fue producido por Mutt Langue. Recibió una buena acogida entre los fans, pero no en la crítica. Obtuvo también buenas cifras de ventas, con un millón de copias vendidas en su primera semana y, en 2001, confirmó su cuarto álbum de platino en los EE. UU.

La llegada de Wright y el descenso comercial (1983-1987)

En mayo de 1983, el baterista Phil Rudd fue sustituido por Simon Wright; lo motivo de la marcha de Phil fue una pelea a puñetazos con Malcolm Young. Tras ese relevo, en agosto vería la luz un nuevo LP: Flick of the Switch, el primer disco producido por Angus y Malcolm. El álbum hizo decaer el status comercial del grupo muy significativamente, aunque se considera exitosa la muy roquera canción, Flick of the Switch. En octubre de 1984, editaron ’74 Jailbreak un mini-LP con varias canciones inéditas y que conmemoraba sus diez años de existencia.

En mayo de 1986, publicaron Who Made Who, el primer recopilatorio de AC/DC, realizado especialmente para la película de Stephen King La Rebelión de las Máquinas (“Maximum Overdrive”), y que obtuvo ventas bastante buenas. Este disco resucitó temas como “You Shook Me All Night Long” y “Ride On”.

Popularidad renovada (1988–1997)

En enero de 1988, volvieron con Blow Up Your Video, producido por Harry Vanda y George Young. Durante la gira de 1988, por causas personales, Malcolm Young fue sustituido por su sobrino Stevie Young (solo le sustituiría durante esa gira americana). En noviembre de 1989, Simon Wright abandonó temporalmente el grupo para incorporarse a Dio, y grabar el respectivo álbum de esa banda, Lock up the Wolves. Fue reemplazado por Chrish Slade. Para ese tiempo, Johnson no estaba disponible, ya que estaba arreglando los asuntos de su divorcio. Así que, los hermanos Young, escribieron todos los temas para su próximo álbum.

Con The Razors Edge (1990), producido por Bruce Fairbairn, volvieron, casi 10 años después de su primer gran éxito, a lo más alto de las listas de ventas (77 semanas en la lista de los 40 de EE. UU. y 5 millones de copias vendidas hasta la actualidad), lanzados por el éxito Thunderstruck. La gira del nuevo álbum queda registrada en el álbum “Live!”, la segunda placa doble en vivo de los australianos.

En 1993, lanzaron el single Big Gun, para la banda sonora de la película El Último Gran Héroe (Last Action Hero), protagonizada por Arnold Schwarzenegger, quien también saldría en el videoclip.

En el verano de 1994, vuelve Phil Rudd a la batería, tras su reencuentro con el grupo después de un concierto. Malcolm le perdonó y le pidió que volviera. En otoño de 1995, publicaron Ballbreaker, producido por Rick Rubin, el cual entró en las listas en el número 4 y vendió un millón de copias en los primeros seis meses con su single Hard As a Rock. De este álbum también se extrajeron temas como “Cover You In Oil”,”Hail Caesar” y “Boogie Man”.

AC/DC en el siglo XXI (2000-presente)

Stiff Upper Lip le siguió a principios del 2000. Con ese álbum, volvieron a los sonidos que más les influenciaron durante su juventud.

Desde el 22 de marzo de 2000, AC/DC tiene una calle en Leganés (Madrid) llamada “Calle de AC/DC”, a cuya inauguración asistieron Malcolm y Angus con gran expectación de público y fans. El mismo día de la inauguración, la placa fue robada y repuesta a las dos horas. Tres días después, fue robada de nuevo. Y posteriormente, fue incontable el número de veces que ha sido sustraída. Ante esa situación, el Ayuntamiento de Leganés decidió sacar las placas a la venta, para satisfacer las ansias de los fans. Esta anécdota fue expuesta en la película española Isi/Disi: Amor a lo bestia dirigida por Chema de la Peña y protagonizada por Santiago Segura y Florentino Fernández.

Sus éxitos como el single “You Shook Me All Night Long”, han sido interpretados por grandes personalidades del mundo de la música, como Céline Dion & Anastacia en el especial de “Divas Live Las Vegas”. Curiosamente la versión de “You Shook Me All Night Long” de Céline Dion fue elegido por la revista inglesa Total Guitar en el 2008 como la peor versión del Mundo.

En 2003, AC/DC fue incluido al Rock & Roll Hall of Fame. En octubre de 2004, la ciudad de Melbourne también les rindió honores con una calle, la ACDC Lane, al aprobar el Ayuntamiento la sustitución del nombre anterior, Corporation Lane. Inscribieron “ACDC” porque la normativa de la ciudad no permite usar determinados símbolos como la barra “/” en los nombres de sus calles.

En 2005, se lanzó el dualDisc de Back in Black y el DVD Family Jewels, una recopilación de sus vídeos desde 1973 hasta 1990. En 2006, se editó un libro con la historia de la banda, llamado “Let There Be Rock: The Story of AC/DC”, escrito por la periodista Susan Masino.

En octubre de 2007 salió a la venta el nuevo DVD Box-Set, titulado “Plug Me in”, en versión sencilla (dos DVD) y “de coleccionista” (tres DVD), con gran cantidad de material inédito y desconocido, incluso por los coleccionistas.

En 2008 la banda grabó en los Warehouse Studios, donde ya registraron su antecesor Stiff Upper Lip, lo que sería su nuevo disco con Brendan O’Brien a la producción titulado Black Ice, a la venta desde el 20 de octubre de 2008. El primer single del disco vio la luz el 28 de agosto con el título “Rock ‘n’ Roll Train”. El grupo grabó el día 15 de agosto el videoclip de su single “Rock ‘N Roll Train” en el centro de Londres. El videoclip vio la luz en el mes de septiembre de 2008. En noviembre de este año, la canción “Spoilin’ for a Fight” fue usada como tema oficial del PPV de la WWE “Survivor Series (2008)”. «AC/DC’s ‘Black Ice’ debuts at No. Consultado el 28 de septiembre de 2009.

En Wrestlemania 25, los temas “Shoot to Thrill” y “War Machine” fueron usados para el evento, aunque se usó más el primero.

En verano del 2009 Brian Johnson anunció su posible retirada de la banda debido a su edad. “Todos los miembros de la banda rondan los cincuenta y pico años. Yo tengo 62. Soy el perro viejo de la manada.”, dijo el cantante.

En diciembre del 2009 AC/DC eligió Argentina como escenario de un DVD en vivo que se basaría en las grabaciones realizadas durante las tres presentaciones con localidades agotadas que brindaron en el estadio Monumental Antonio Vespucio Liberti (propiedad del Club Atlético River Plate) los días 2, 4 y 6 de diciembre de 2009, fechas a las que asistieron aproximadamente 66000 personas por noche. Durante los tres shows que ofrecieron en Argentina, los australianos grabaron todas las imágenes que formaron parte de ese nuevo registro en vivo. Adicionalmente, el sábado 5 se grabaron a puertas cerradas ciertas tomas e inserts que no podían realizarse con el público dentro del estadio.

En abril de 2010 se puso a la venta la banda sonora de Iron Man 2, de Jon Favreau (director), donde AC/DC presta su música de nuevo al personaje (en la primera entrega la película comenzaba con Back in Black). “Shoot to Thrill” es el tema principal del filme, junto a War Machine (con su primera aparición en la franquicia) o The Razor’s Edge.

El 28 de junio de 2010, con un concierto en el estadio de San Mamés, en Bilbao, AC/DC puso fin a su gira Black Ice, en la que desde octubre de 2008 han ofrecido unos 170 conciertos en cuatro continentes ante más de cuatro millones de personas. No obstante regresarian en 2011 en una mini gira que duraria 1 año mas o menos en donde realmente se retiraran.

Pero el 2020 al parecer nos dejará un buen final sabor de boca, al parecer lo que era casi imposible en un escenario incierto después de la muerte del guitarrista y fundador del grupo Malcom Young en 2017, justo un año después de que Johnson abandonará la última gira en el 2016, por problemas de audición, fue en ese entonces que fue reemplazado por Axl Rose.

La última década no ha sido fácil para la formación. Su batería Phil Rudd recibió varias condenas por posesión de drogas y amenazas que lo llevaron apartarse de la música. Mientras Cliff Williams también dijo adiós por los problemas que acarreaba el grupo.

Una vez reunidos de nuevo a excepción de Malcom Young reemplazado por su sobrino Stevie, las canciones de AC/DC publiquen serán sus primeras composiciones originales desde el disco que lanzaron al mercado en 2014. «ROCK OR BUST» ESTAN PREPARADOS PARA #PWRUP

Gustavo Adrián Cerati Clark. Nació en la capital argentina, Buenos Aires. 11 de agosto de 1959. Desde muy chico demostró su talento para la música. Ingresó a un coro estudiantil; del que luego fue la voz líder tocó puertas en varias agrupaciones musicales en las que se desempeñó como voz o en algún instrumento. Al culminar sus estudios escolares a comienzos de los 80, decidió estudiar publicidad en la Universidad del Salvador, (universidad privada de argentina) en ese lugar se relacionó con Héctor “Z” Bosio, futuro bajista de Soda Stereo. Luego, por intermedio de su hermana conoció al tercer Soda y baterista Charlie Alberti.

Con dos años de trabajo fuerte, realizan su primer show en una discoteca, así comienzan a impactar el circuito underground de la capital. Compartieron tarima con Sumo, Los Twist y Melero. En 1984, presentan su primer álbum Soda Stereo. Luego de esto, participaron en diversos festivales de música rock ante la presencia de miles. La popularidad del grupo se propaga. Prontamente lanzaron Nada Personal en el estadio de Obras Sanitarias. En 1986 realizan su primera gira latinoamericana. Soda Stereo participa como invitado estelar del Festival de Viña del Mar. En adelante, sus éxitos serán múltiples, sus conciertos por el mundo atiborrados de seguidores.

La banda decidió parar un año sus actividades musicales. Pero al volver, llegan arrasando, luego de un concierto al que asistieron más de 32 mil personas. Soda Stereo hizo una gira nacional que quedó grabada en la historia del rock argentino, con una recordada presentación ante 45.000 personas en el estadio Vélez Sarsfield. Esta exitosa agrupación selló otro hito en el rock latinoamericano alcanzando el récord de shows en una sala de teatro totalmente llena. En el año 1992, realizaron giras por España, publicaron su famoso disco Dynamo, realizaron una gira por México de 45 días, se presentaron en las principales ciudades de Paraguay, Chile y Venezuela. Iniciando el nuevo año Soda Stereo decidió distanciarse.

Gustavo Cerati fue un hombre conocido por su gusto excesivo hacia las mujeres, mantuvo romances explosivos con varias famosas de su país. Al separarse de Amenábar fue novio de la modelo y cantante Deborah del Corral. La relación generó polémica porque Déborah había sido novia de Charly Alberti previamente, situación que encendió el morbo del público y la prensa. Luego de esta relación, se vio envuelto en una situación amorosa con la actriz argentina Leonora Balcarce. Podemos decir que Cerati tuvo entre sus relaciones oficiales varias aventuras clandestinas.

El décimo aniversario de la separación de Soda Stereo se cumplió en el año 2007, para rendir un homenaje a esta popular banda y a sus fieles seguidores, los integrantes deciden reunirse para brindar una serie de shows en las ciudades de Argentina y en varios países de Latinoamérica donde fueron furor. El reencuentro fue realmente triunfal, además los seguidores apreciaron esta acción de agradecimiento hacia ellos, respondiendo con escenarios llenos de fanáticos al borde de la histeria.

Durante un concierto en Venezuela, Gustavo Cerati sufre una descompensación en el escenario. Fue llevado a las instalaciones médicas. En un comienzo se creyó que fue víctima del estrés y el cansancio por su agitada vida, regresó a su vida normal, luego de tomar reposo al lado de su pareja la modelo argentina Chloe Bello, una hermosa mujer treinta años menor que él. Esta relación fue mal vista por la familia de Cerati, que aseguraron que ella era una mala influencia. A pesar de ello, Chloe se mostró muy entregada a su recuperación.

Sin embargo, volvió a descomponerse, luego de varios estudios se detecta que padece un accidente cardiovascular. No pasó mucho tiempo cuando entró en coma. Pasó conectado a un respirador artificial durante cuatro años. El jueves 4 de septiembre de 2014, Argentina y el resto de Latinoamérica, fueron golpeados por la noticia que confirmaba su fallecimiento debido a un paro cardiorespiratorio. El músico, fue velado en la Legislatura de la ciudad de Buenos Aires, junto a millares de fanáticos, colegas como Charly García y su ex compañero de Soda, Z Bosio y claramente su familia, sus exparejas y sus dos hijos. Luego, fue inhumado en el cementerio del barrio porteño de la Chacarita.

Conocido como Bruce Dickinson, es un cantante, productor musical, esgrimista, locutor de radio empresario , escritor, historiador  y piloto de aviación británico. Es famoso por ser el vocalista, frontman y co-compositor de la banda de heavy metal Iron Maiden. Es considerado por muchos expertos de canto, medios y el público en general como uno de los mejores cantantes de la historia de este género.

En 1979 se unió a la agrupación Samson, con la que logró cierta popularidad bajo el nombre artístico de «Bruce Bruce». Tras grabar dos discos de estudio dejó la banda en 1981 para unirse a Iron Maiden, reemplazando al cantante Paul Di’Anno. Durante su primera etapa en Iron Maiden grabó una serie de exitosos álbumes que se convirtieron en discos de platino y oro en los Estados Unidos y el Reino Unido en la década de 1980.

Durante su primera etapa en Iron Maiden, Dickinson grabó discos como The Number of the Beast (1982), Piece of Mind (1983) y Powerslave (1984). Actualmente cuenta con 12 placas junto a la banda e incontables giras internacionales. 

Pero no toda su carrera ha sido con Iron Maiden. A principios de los 90, Dickison también comenzó a interesarse activamente en la aviación y, gracias a su perseverancia, llegó a convertirse en piloto comercial para la aerolínea Astraeus Airlines.

¿Otra de las grandes hazañas por las que se le conoce a Dickison en la historia del rock? Su concierto en Sarajevo de 1994, año en que la ciudad atravesaba su peor faceta de la guerra de Bosnia. La voz del rock tuvo que entrar resguardado por las Naciones Unidas y entregar un concierto con la probabilidad de ser testigo de un bombardeo en cualquier momento.

En ese momento, habría sido uno de los momentos más importantes del rock and roll. En cambio, The Rolling Stones esperaron 46 años para lanzar su colaboración con el guitarrista de Led Zeppelin Jimmy Page, «Scarlet», que llegó a los servicios de transmisión y radio en las primeras horas de la mañana del miércoles pasado.

El número oscilante aparecerá en el próximo set de cajas de Stones de su esfuerzo ‘Goat’s Head Soup’ de 1973, que saldrá el 4 de septiembre. Grabado en octubre de 1974, también presenta al difunto bajista de Blind Faith / Traffic Ric Grech. Mick Jagger dijo en una reciente entrevista de radio en el Reino Unido que remezcló la canción y lanzó algunas maracas por si acaso.

Page tiene un recuerdo un poco diferente de cómo llegó la canción, que lleva el nombre de su hija.

«Me invitaron a la casa de Ronnie Woods en Richmond para hacer una sesión en octubre de 1974», escribió el guitarrista en su sitio web esta semana. “Se dijo que Keith Richards e Ian Stuart (Stu), estarían allí. Parecía una buena oportunidad para ponerse al día con viejos amigos «.

Mick se puso en contacto conmigo recientemente y pude escuchar la versión final. Sonaba genial y realmente sólido. Estoy feliz de que eligieran lanzarlo como parte del próximo álbum 2020 ‘Goats Head Soup’. Es una aparición muy rara de mí fuera de Led Zeppelin en los años 70 «.

Si bien «Scarlet» ha entusiasmado a los fanáticos desde su lanzamiento con la combinación única de los licks azules de Richards y el riff singular de Page, no es la primera vez que aparece con los Stones, ni sería la última. Cuando todavía era músico de sesión en 1964, Page tocó en una versión temprana de la canción «Heart of Stone», que finalmente apareció en la colección de Metamorfosis de 1975.

Más tarde, realizó el solo de guitarra en «One Hit (To the Body)», el segundo sencillo que se lanzará en el LP Stones ‘Dirty Work’, que llegó a las tiendas en 1986.

Louis Daniel Armstrong, fue un trompetista y cantante que nació el 4 de agosto de 1901 en New Orleans; está considerado como uno de las figuras más innovadoras y populares del jazz de todos los tiempos.

El principal aporte del popular ‘Satchmo’ fue transformar el jazz de los salones de baile en una forma de arte popular. Por si esto fuera poco, su canto lo hizo una enorme influencia para el canto jazzístico.

En sus primeros años, Armstrong era conocido sobre todo por su virtuosismo con la corneta y la trompeta. Su mejor sonido trompetístico se puede escuchar en las grabaciones con sus Hot Five y Hot Seven. Las improvisaciones que hizo en aquellas grabaciones sobre estándares del jazz de Nueva Orleans y sobre otras canciones populares del momento, han resistido perfectamente el paso del tiempo hasta el punto de soportar la comparación con cualquiera de las hechas por otros intérpretes posteriores.

La generación más antigua de jazzistas de Nueva Orleans se refieren con frecuencia a sus improvisaciones como variaciones melódicas. Las improvisaciones de Armstrong fueron novedosas y sofisticadas en su época, aunque eran sutiles y melódicas. Lo que normalmente hacía era recomponer los temas populares que tocaba, haciéndolos más interesantes. El toque de Armstrong está lleno de alegres, inspiradas y originales melodías, saltos creativos y ritmos sutilmente relajados o dinámicos. El genio de estas composiciones tan creativas se origina en la técnica interpretativa de Armstrong, conseguida tras una práctica constante que amplió su gama, su tono y las capacidades de la trompeta. En estas grabaciones, Armstrong casi llegó a crear sin ayuda de nadie el papel del solista de jazz, convirtiendo lo que era en esencia una música colectiva de tipo folk en una forma de arte con enormes posibilidades para la expresión individual.

Louis Armstrong fue una de la figuras más importantes en la música del siglo veinte. En realidad, podría decirse que la más importante de todas, pues produjo una renovación en el jazz y, como consecuencia, tuvo un efecto crítico sobre las distintas clases de música que derivaron de él: el rock y sus variantes; la música de televisión, cine y teatro; las melodías que resuenan interminablemente en nuestros oídos dentro de los supermercados, los elevadores, las fábricas y las oficinas; incluso de la música ‹clásica› de Copland, Milhaud, Poulenc, Honegger y otros. Sin Armstrong, nada de esto hubiera sido tal como es. Louis Armstrong fue el genio musical supremo de esta era».

El apodo Satchmo, o Satch, es una abreviación de Satchelmouth («boca de bolsa»). En 1932, el entonces editor de la revista Melody Maker, Percy Brooks, saludó a Armstrong en Londres diciendo «Hello, Satchmo!», abreviando Satchelmouth (probablemente, sin intención), y tal apodo tuvo éxito. A comienzos de su carrera también era conocido como Dippermouth («boca de cucharón»).

Ambas referencias tienen que ver con la forma en que embocaba su trompeta mientras tocaba. La situaba sobre sus labios de tal forma que tras muchas horas de interpretación, surgía en su labio superior una hendidura, de ahí el término «Dippermouth». Esta hendidura se puede observar en muchos retratos de Armstrong de ese periodo y tuvo que ver con la orientación de su carrera hacia el canto debido a que le llegó a suponer una traba a la hora de tocar la trompeta. En cualquier caso, tras un periodo en que no la tocó, enmendó su forma de tocar el instrumento y continuó con su carrera instrumental. Los amigos y algunos músicos cercanos le llamaban también Pops, que es como Armstrong se dirigía normalmente a ellos (excepto a Pops Foster, a quien siempre llamaba «George»).

Richard William Wright (Londres, 28 de julio de 1943-, 15 de septiembre de 2008), más conocido como Rick Wright, fue un músico británico, teclista, cofundador y vocalista del grupo de rock progresivo Pink Floyd, quien además compuso varios de sus temas.

Richard William Wright se incorporó al grupo Sigma 6 en 1964, una de las versiones previas de lo que acabaría llamándose Pink Floyd, con Syd Barrett, Roger Waters, Nick Mason y Bob Klose. Wright hizo contribuciones esenciales al sonido de la banda. Su estilo, definido como peculiar y mucho más enfocado en las texturas que otros contemporáneos de su época, es una de las marcas distintivas del estilo de Pink Floyd. Temas como «Echoes», «The Great Gig in The Sky», «Us and Them» y «Shine on You Crazy Diamond», son excelentes ejemplos de la manera de tocar de Wright.

En 1978, Richard William Wright grabó y lanzó su primer disco solista llamado Wet Dream, disco que, posteriormente, consideró simple y con letras no muy sólidas, pero que le gustaba. En aquel disco trabajó junto a Snowy White como guitarrista, ex Thin Lizzy y miembro de apoyo de Pink Floyd, actualmente guitarrista de Roger Waters.

Durante la grabación de The Wall, Wright fue expulsado del grupo por el bajista y principal compositor Roger Waters. Las razones de esto no se difundieron en su momento pero más tarde se supo que Waters estaba descontento con los aportes de Wright y también por haberse negado, en un principio, a interrumpir sus vacaciones en favor de adelantar la publicación del disco. Durante el tiempo que estuvo fuera de Pink Floyd se radicó en Grecia.

Para 2006, Wright y Nick Mason participaron con David Gilmour durante su presentación en el Royal Albert Hall en Londres, siendo la última presentación del Pink Floyd post-Waters. También en 2006 se dio a conocer el nuevo álbum solista de David Gilmour, On an Island, en el que Rick Wright participó en una de las canciones y posteriormente fue el teclista de la banda que realizó el tour mundial.

Tras el reencuentro, Roger Waters superó todas sus pasadas diferencias con Rick Wright e incluso lo invitó a participar también en su gira The Dark Side of the Moon Live (en la que asimismo colaboró Nick Mason), pero Wright declinó la oferta en pos de dedicarse a preparar un nuevo álbum solista, el cual según se informaba sería un disco instrumental. Este nuevo disco no se llegó a concretar debido al deceso de Wright.

El lunes 15 de septiembre de 2008, tras una breve lucha contra el cáncer, Wright falleció en su hogar de Londres. Tenía 65 años. Es el segundo miembro fundador de Pink Floyd que murió tras el deceso de Syd Barrett en 2006.

Debido a su vida apartada de los medios del espectáculo a partir de su última presentación con Pink Floyd en el Live 8 y a sus esporádicas presentaciones públicas, no se conocieron mayores detalles sobre su deceso.

Grabada y lanzada en el primer semestre de 1990 como el primer sencillo de su quinto álbum de estudio, Canción animal. 20 de Julio de 1990.

De música ligera, es una canción escrita por Gustavo Cerati y Zeta Bosio, e interpretada por la banda de rock en español  Soda Stereo.

De música ligera, es uno de los temas más icónicos y populares del grupo. Se lo considera un himno del rock en español, una de las composiciones más reconocidas del rock argentino, y una de las canciones de Soda Stereo preferidas por el público.

Fue con esta canción con la que Soda Stereo culminó el legendario El Último Concierto de la banda, tras el cual la banda se separó luego de 15 años juntos. Al finalizar el tema Cerati, evidentemente emocionado, dio un agradecimiento a todos los fanáticos y colaboradores que, de una u otra forma, hicieron posible su éxito y al finalizar pronunció la emblemática y , a partir de ese momento, famosa frase «¡Gracias… Totales!«. Se lo recuerda como un momento emocionante en la historia del rock en español.

El tema «De música ligera» surgió casi de un solo tirón, y se empezó en una prueba de sonido en México en 1989. Empezaron a darle vueltas a la secuencia de cuatro acordes que forman la canción y Gustavo empezó a soltar palabras que encajaran en la melodía. «Estaba convencido de que este iba a ser un superhit» dijo Cerati. Y así fue.

Los dos primeros versos son la representación del anhelo por la composición de un tema musical capaz de tener un alcance de masas del álbum en cuestión. El verso que dice «ella durmió al calor de las masas, y yo desperté queriendo soñarla» habla de aquella canción que se idea con la intención de convertirse en un hit musical. Su mismo compositor así lo relató en una entrevista concedida en el año de 1990:

De dónde sale el nombre Música ligera?

Mis padres tenían una caja de discos que se llamaba Clásicos ligeros de todos los tiempos donde había música de películas, obras clásicas y de todo, mezclando Mozart con Ennio Morricone. Esas palabras me habían pegado mucho y a mí me quedó sonando siempre la frase de ‘clásicos ligeros’. ¡Todo el tiempo vuelvo a lo que hacía cuando era chico! Es un momento en el que salieron muchísimas cosas: ideas musicales, yeites con la guitarra y cosas que ahora no se me ocurriría hacerlas. Por otro lado, había participado en el disco Conga, de Daniel Melero, tocando en un tema que se llamaba «Música lenta» que decía: ‘serán los efectos de la música lenta’. Y fue como una especie de respuesta velada, porque me impulsaron esa misma canción y los efectos de la música lenta. Después me acordé de los clásicos ligeros y de la música ligera, y empecé a escribir sobre lo que significaba un poco la idea del pop. Por un lado, no podés zafar de ello y siempre está bueno escuchar una canción así, donde no tenés ni qué pensar, porque simplemente está y te arrasa. Por otro lado, no es que te quede tanto, sino que es solo un momento en la vida. Fue uno de los temas más instantáneos que tuvimos con Soda Stereo. Fue llegar a la sala, empecé a tocar el riff, y salió. Musicalmente, lo creamos los tres. La letra la escribí ahí mismo, no entera, pero parte sí. La mayoría de las veces la motivación para escribir, la inspiración, te sale de la misma música. La misma música tiene los ingredientes necesarios a la letra, hay algo de lo que me está hablando la música. En este caso era lo más liviano y lo más pop que podía imaginar, era como una canción que había estado guardada durante mucho tiempo ahí. Lo primero que siempre escribo es el estribillo, que aquí fue: ‘de aquel amor de música ligera’. Después habla de la música en sí: ‘ella durmió al calor de las masas, y yo desperté queriendo soñarla’.”

Un día como hoy, hace 72 años, nació Brian May. Músico, compositor astrofísico y activista británico, se  destaca por ser el guitarrista y miembro fundador de Queen, donde compuso grandes éxitos del cuarteto como “I Want It All”.

May es considerado uno de los mejores guitarristas del rock, que lo han llevado a continuar con su carrera musical junto a Queen hasta la actualidad, desempeñándose con la misma energía y actitud que en sus inicios.

El músico británico nació un 19 de julio de 1947 en Hampton, Londres, y desde sus inicios mostró un gran interés por la música y la astronomía. A las 7 años recibió su primera guitarrista y pavimentaba un camino directo al éxito.

Mientras estudiaba en Imperial College (escuela de ciencia, ingeniería, medicina y ciencias empresariales), comenzó a formar una banda llamada “Smile” con su compañero Tim Staffel en la voz.

Con anuncios por toda la universidad solicitando a un baterista, se les une Roger Taylor. Finalmente Staffel deja la banda y se suma Farrokh Bulsara, quien se pasó a llamar Freddie Mercury. De esta forma, en 1970 se pasan a llamar “Queen”.

Junto con Mercury, Brian May fue uno de los principales compositores de los grandes éxitos de la banda. Canciones como “We Will Rock You”, “Tie Your Mother Down”, “Keep Yourself Alive o “Who Wants to Live Forever?”.

Luego de la partida de Freddie Mercury, May a continuado con el legado de la banda donde trabajó en proyectos post-Queen como “Queen + Paul Rodgers”, realizando exitosos tours y lanzando dos discos de estudio.

También ha incursionado como solista creando “The Brian May Band”, con Cozy Powell y Spike Edney, que lo llevó a realizar una gira mundial con un álbum titulado “Live at the Brixton Academy”.

Actualmente está de gira con Adam Lambert y Roger Taylor repasando el catálogo de Queen, luego del éxito que ha provocado la película tributo “Bohemian Rhapsody”.

El 1 de enero de 2019 se lanzó su canción «New Horizons», en honor a la misión New Horizon de la NASA, de la cual él forma parte, mostrando también otra de sus pasiones: la astrofísica. 

Antes que nada, el video para Close My Eyes Forever entre la Rockera Lita Ford y el inconfundible Ozzy Osbourne. Este tema apareció en el disco Lita de 1988, fue un éxito en todas partes y creo que aún la gente la recuerda con mucho cariño.

Esta canción que es interpretada por estos dos artistas de una forma triste o pesimista pareciera hablar de una relación en la que la chica engañó a su pareja.

Da la impresión que están juntos nuevamente, pero el protagonista ya no puede ver este amor de la misma forma, pues no hay confianza y el respeto mutuo se quebró haciendo insostenible la relación. Ella, parece estar muy arrepentida y se nota que quiere a este hombre. Sin embargo, como dicen popularmente: lo comido y lo bailado no se lo quita nadie. Y sujetos que comprenden este dicho, necesitarían de una lobotomía para volver a sentir el mismo amor por alguien.

Es entonces que ella le pregunta que pasaría si ella cerrara sus ojos para siempre (no estar con él). Si acaso ahí notaría que en el fondo la ama y que entendería que la separación entre dos seres que se quieren es más difícil que el recordar el pasado con rencor. Al final, y después de escucharla tratando de enmendar la situación, este hombre sólo termina diciéndole: cierra tus ojos, tienes que cerrar tus ojos por mi.

Te dejo el video de tal magistral interpretación.

Rammstein es un grupo alemán formado en 1994, su música, aunque también incorpora elementos de otros estilos, puede encasillarse dentro del metal industrial. De su Álbum Mutter (2001) es el tercer disco de estudio de la banda

La canción habla literalmente de la llegada del Sol, un sol esperado con miedo o sin el, un sol que lo iluminará todo porque es la más brillante de las estrellas, un sol que ya viene…
La duda que surge tras la letra de ¿qué es ese «sol»?

Con lo que se puede interpretar la letra de la canción como una metáfora de los deseos y obsesiones del hombre.
La canción fue originariamente escrita como himno de entrada del boxeador ucraniano Vitali Klitschko.

En el vídeo de la canción aparecen los miembros de la banda como enanitos trabajando en la mina para una Blancanieves adicta al polvo de oro.

Se dice que había distintas ideas para el video incluida una en la que se vería a la banda como la tripulación del Enola Gay lanzando la bomba nuclear sobre Hiroshima y cómo después se suicidarían abrumados por lo que habían hecho!

Nacido el 18 de julio del año de 1975 en Los Angeles, Estados Unidos, proviene de una familia de origen armenio, tiene como nombre completo Daron Vartan Malakian y decidió dedicarse a la música cuando era niño al escuchar las canciones de Kiss.

Nunca he practicado la guitarra un día en mi vida, en realidad. Eso es lo que siempre le digo a la gente; son como, ‘¿Practicaste alguna vez?’ ‘¿Practicas mucho?’

«Nunca sentí que estaba practicando. Solo estaba tocando. Y solo toqué cuando sentí la necesidad de tocar y me estaba llamando, y todavía es así».

Malakian también señaló:

«Nunca me consideré como un guitarrista técnico. Cuando toco la guitarra, escucho toda la canción, las voces y todo lo que está pasando en mi cabeza».

«Así que es la herramienta que utilizo para estructurar canciones para escribir canciones. También es una forma de alejarme del mundo e ir a mi pequeña habitación.

«Y realmente no toco demasiado la guitarra delante de la gente. Obviamente cuando estoy en el escenario, pero cuando estoy en casa, por lo general es cuando estoy solo. Así que es algo íntimo para mí».

El músico agregó:

«Siento que tengo un cierto estilo. No sé cómo sucede eso. Pero siempre trato de agregar ese estilo, no solo trato de seguirlo. Siempre trato de agregar un cierto color que tal vez no he usado antes.

«Si quieres hablar sobre los álbumes de System, evolucionan de esa manera a medida que pasa el tiempo. Creo que en el primer álbum fue más heavy metal y rabia».

«Y creo que debido a que estábamos tocando en los clubes en ese momento, en el primer álbum, solo estaba tratando de escribir canciones que iban a poner en marcha el club, hacer que el Mosh Pit se mueva».

«Y luego empezamos a tocar en lugares más grandes, y no fue tan íntimo. Comencé a ir más en la dirección de la composición y comencé a ser más influenciado por los compositores en lugar de los riffs.

«Gente como Bowie o Neil Young, The Beatles, The Kinks, y ese tipo de cosas comenzaron a sangrar en mis escritos con canciones como ‘Lost in Hollywood’, ‘Soldier Side’, ‘ATWA’.

«Mi composición de canciones comenzó a evolucionar a más de esas cosas, a más melodías, y simplemente no tenía miedo de intentar eso aunque podría haber sido algo que nunca antes habíamos hecho. Pero fue honesto … fue honesto, era el proceso en el que estaba como escritor en ese momento y sentí que si era honesto, la gente lo entendería».

Daron lanzó un nuevo álbum con Scars on Broadway en julio. El registro se llama «Dictator».